Symphony No. 5 in C-sharp minor
1st movement: Trauermarsch 12:35
2nd movement: Stürmisch bewegt, mit grösster Vehemenz 15:04
3rd movement: Scherzo: Kräftig, nicht zu schnell 19:12
4th movement: Adagietto, sehr langsam 10:49
5th movement: Rondo-Finale: Allegro 15:25
San Francisco Symphony
Michael Tilson Thomas, conductor
Recorded live at Davies Symphony Hall
San Francisco, September 28–October 2, 2005
Mahler, Vienna, 1903.
The Mahler–Rosé Collection, The Gustav Mahler–Alfred Rosé Room,
The Music Library, The University of Western Ontario, London, Ontario.
Mahler, Vienna, 1903.
The Mahler–Rosé Collection, The Gustav Mahler–Alfred Rosé Room,
The Music Library, The University of Western Ontario, London, Ontario.

Symphony No. 5 in C-sharp minor
In 1901, Mahler was acutely conscious of taking a new path. after a run of
eccentric symphonies, he came back to a more “normal” design, one that
could be described as concentric as well as symmetrical. The Second, Third,
and Fourth symphonies had included singing, but the Fifth is an instrumental
conception. The music is also leaner and harder. When he began work on
the Fifth Symphony, Mahler had acquired the complete edition of Bach, and
his excited discovery of what was in those volumes led him to create more
polyphonic textures in his own music. But this new “intensified polyphony,”
as Bruno Walter called it, demanded a new orchestral style, and that did not
come easily. Mahler conducted the premiere of the Fifth Symphony with
the gürzenich Orchestra in Cologne on October 18, 1904, but he made
alterations until at least 1907 (his final version, which is what you hear in this
recording, was published for the first time in 1964 by the International gustav
Mahler Society, Vienna).
“Heavens, what is the public to make of this chaos in which new worlds
are forever being engendered, only to crumble into ruin the next moment?”

Mahler wrote his wife, alma, after the first rehearsal. “What are they to say
to this primeval music, this foaming, roaring, raging sea of sound, to these
dancing stars, to these breathtaking, iridescent, and flashing breakers?” For
the composer ernst krenek, the Fifth Symphony is the work with which
Mahler enters “upon the territory of the ‘new’ music of the twentieth
Mahler casts the work in five movements, but some large Roman numerals
in the score indicate a more basic division into three sections, consisting
respectively of the first two, the third, and the last two movements. at the
center stands the Scherzo, and its place in the design is pleasingly ambiguous
in that it is framed between larger structural units (Sections I and III) but is
itself longer than any other single movement.
Mahler begins with funeral music, starting with the summons of a
trumpet. Most of the orchestra is drawn into this darkly sonorous exordium,
whose purpose is to prepare a lament sung by violins and cellos. at least that
is how it is sung to begin with, but it is characteristic of Mahler’s scoring that
colors and textures, weights and balances, degrees of light and shade shift
from moment to moment. Something else that changes is the melody itself.

ask six friends who know this symphony to sing this dirge for you and you
may well get six versions, no two identical but all correct. It is a wonderful
play of perpetual variation.
The opening music comes back. again the summons leads to the inspired
threnody, unfolded this time at greater breadth and with a more intense
grieving. Yet again the trumpet recalls the symphony’s first bars, but this time,
suddenly, with utmost violence and across a brutally simple accompaniment,
violins fling forth a whipping downward scale and the trumpet is pushed to
scream its anguish. an attempt to introduce a loftier strain is quickly swept
aside. gradually Mahler returns to the original slow tempo and to the cortege
we have come to associate with it. When the whipping violin scale returns it is
in the context of the slow tempo, and the movement disintegrates in ghostly
reminders of the fanfare and a savagely final punctuation mark.
What we have heard so far is a slow movement with a fast interruption.
There follows its inversion, a quick movement that returns several times to
the tempo of the funeral march. These two parts of Section I actually share
thematic material. Still more variants of the great threnody appear, and the
grieving commentary that accompanied the melody in the first movement

moves more insistently into the foreground, to the point even of transforming
itself for a moment into a march of unseemly jauntiness. Mahler uses yet
another transformation of that motif in a chorale, the symphony’s first
extended music in a major key. But it is too soon for victory.
Four horns in unison declare the opening of the Scherzo. The voice of
a single horn detaches itself from that call, the beginning of a challenging
obbligato for the principal player. This is country music, by turns ebullient,
nostalgic, and a mite parodistic. There is room even for awe as horns speak
and echo across deep mountain gorges. It is exuberantly inventive too, its
energies fed by the bold ingenuity of Mahler’s polyphony.
The diminutive in the title of the famous fourth movement refers to its
brevity. If any single movement can convey the essence of Mahler’s heartache,
the adagietto is it. after the brightness of the Scherzo, Mahler sets the
adagietto in a darker key. Then, in a most delicately imagined passage, he
finds his way back to the light. a single horn reintroduces the winds and
takes us back to the territory of the horn‐dominated Scherzo, to music before
the adagietto brought time to a stop. as abruptly as he had moved from the
tragedy of the first two movements into the joyous vitality of the Scherzo,

Mahler now leaves behind the hesitations and cries of his adagietto to dive
into the radiant, abundant finale. It is, most of it, superb comedy, so vigorous
that it can even include the melody of the adagietto—in quick tempo—as one
of its themes. The brass chorale from the second movement comes back, this
time in its full extension, as a gesture of triumph and as a structural bridge
across the symphony’s great span. When all is done, though, no one is in the
mood for an exalted close, and the symphony ends on a shout of laughter.
—Michael Steinberg
The San FRanCISCO SYMPHOnY gave its first concerts in 1911
and has grown in acclaim under a succession of music directors: Henry
Hadley, alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux,
enrique Jordá, Josef krips, Seiji Ozawa, edo de Waart, Herbert Blomstedt
(now Conductor laureate), and, since 1995, Michael Tilson Thomas. In
recent seasons the San Francisco Symphony has won some of the world’s
most prestigious recording awards, among them France’s grand Prix du
Disque, Britain’s Gramophone award, and the United States’s grammy for
Carmina burana, Brahms’s German Requiem, scenes from Prokofiev’s Romeo
and Juliet, and a Stravinsky album (recordings of The Firebird, Perséphone, and
Le Sacre du printemps) that won three grammys, including those for Classical
album of the Year and Best Orchestral Recording. The initial release in
this Mahler cycle, of the Symphony no. 6, received the grammy for Best
Orchestral Recording of 2002, and the recording of the Mahler Third was
awarded the grammy for Best Classical album of 2003. For RCa Red Seal,
MTT and the SFS have also recorded Mahler’s Das klagende Lied, Berlioz’s
Symphonie fantastique, two Copland collections, a survey of Ives’s music, and
a gershwin collection including works that they performed at Carnegie
Hall’s 1998 opening gala, telecast nationally on PBS’s Great Performances.
The San Francisco Symphony performs regularly throughout the United
States, europe, and asia and in 1990 made stunning debuts at the Salzburg
and lucerne festivals. Some of the most important conductors of our time
have been guests on the SFS podium, among them Bruno Walter, leopold
Stokowski, leonard Bernstein, Sir georg Solti, and kurt Masur, and the
list of composers who have led the Orchestra includes Stravinsky, Prokofiev,
Ravel, Schoenberg, Copland, and John adams. In 1980, the Orchestra moved
into the newly built louise M. Davies Symphony Hall. 1980 also saw the
founding of the San Francisco Symphony Youth Orchestra. The SFS Chorus
has been heard around the world on recordings and on the soundtracks of
three major films, Amadeus, The Unbearable Lightness of Being, and Godfather
III. 2004 saw the launch of Keeping Score, a multimedia educational project on
TV, DVDs, radio, and the Web site www.keepingscore.org. Through its radio
broadcasts, the first in america to feature symphonic music when they began
in 1926, the San Francisco Symphony is heard throughout the US, confirming
an artistic vitality whose impact extends throughout american musical life.
Symphonie No 5 en ut diè se mineur
en 1901, Mahler avait vivement conscience d’emprunter une voie nouvelle.
après une série de symphonies excentriques, il revenait à une vision plus
« normale », qu’on pourrait qualifier à la fois de concentrique et de
symétrique. les Deuxième, Troisième et Quatrième Symphonies faisaient
appel à la voix, tandis que la Cinquième est de conception purement
instrumentale. la musique est également plus dépouillée et plus dure.
lorsqu’il commença à travailler à la Cinquième, Mahler avait acquis
l’édition complète des œuvres de Bach, et la découverte captivante de ce que
contenaient ces volumes l’incita à créer dans sa propre musique des textures
plus polyphoniques. Mais cette nouvelle « polyphonie intensifiée », comme
disait Bruno Walter, exigeait un nouveau style orchestral, et celui‐ci ne fut
pas facile à trouver. Mahler dirigea la création de la Cinquième Symphonie
avec l’Orchestre gürzenich de Cologne le 18 octobre 1904, mais il y fit des
modifications jusqu’en 1907 au moins (sa version définitive, qu’on entend dans
cet enregistrement, fut publiée pour la première fois en 1964 par la Société
internationale gustav Mahler de Vienne).
« Ciel ! Que va penser le public de ce chaos dans lequel de nouveaux
mondes sont sans cesse créés, uniquement pour tomber en ruines l’instant
d’après ? » demande Mahler à sa femme, alma, après la première répétition.
« Que va‐t‐il dire de cette musique primitive, de cet océan sonore déchaîné,
écumant et rugissant, de ces étoiles dansantes, de ces incroyables brisants,
iridescents et éclatants ? » Pour le compositeur ernst krenek, la Cinquième
Symphonie est l’œuvre avec laquelle Mahler « entre dans le territoire de la
musique “nouvelle” du XXe siècle. »
Mahler écrit l’œuvre en cinq mouvements, mais de grands chiffres romains
dans la partition indiquent une division plus fondamentale en trois sections,
formées respectivement des deux premiers, du troisième et des deux derniers
mouvements. au centre se trouve le Scherzo, et sa place dans le plan est d’une
charmante ambiguïté en ce qu’il est encadré par deux unités structurelles plus
grandes (sections I et III), alors qu’il est lui‐même plus long qu’aucun autre
Mahler commence par une musique funèbre, qui débute avec un appel
de trompette. l’essentiel de l’orchestre est attiré dans cet exorde sombre et
sonore, dont le but est de préparer une lamentation chantée par les violons
et les violoncelles. C’est du moins ainsi qu’elle est chantée au début, mais la
caractéristique de l’orchestration de Mahler est que les couleurs et les textures,
les densités et les équilibres, les lumières et les ombres évoluent à tout
moment. la mélodie elle‐même change aussi. Demandez à six de vos amis qui
connaissent cette symphonie de chanter pour vous cet hymne funèbre et vous
aurez peut‐être six versions toutes correctes, mais dont pas deux ne seront
identiques. C’est un jeu merveilleux fait de perpétuelle variation.
la musique du début revient. l’appel conduit de nouveau à la
déploration inspirée, déployée maintenant avec une plus grande ampleur
et une affliction plus intense. encore une fois, la trompette rappelle les
premières mesures de la symphonie ; mais, ici, avec la plus grande violence
et sur un accompagnement d’une simplicité brutale, les violons lancent
une gamme descendante tel un coup de fouet, et la trompette n’a plus qu’à
crier son angoisse. Une tentative pour introduire une musique plus noble
est rapidement balayée. Progressivement, Mahler revient au tempo lent
initial et au cortège qu’on en est venu à lui associer. lorsque la gamme des
violons revient, c’est dans le contexte du tempo lent, et le mouvement se
désintègre dans des rappels fantomatiques de la fanfare et un sauvage point
d’exclamation final.
Ce que l’on a entendu jusqu’ici est un mouvement lent avec une
interruption rapide. C’est le contraire qui vient ensuite : un mouvement
rapide qui revient plusieurs fois au tempo de la marche funèbre. Ces deux
parties de la section I partagent un certain matériau thématique. De nouvelles
variantes de la grande déploration apparaissent, et le commentaire affligé
qui accompagnait la mélodie du premier mouvement passe au premier plan
de manière plus insistante, au point même de se transformer en une marche
d’une gaieté inconvenante. Mahler utilise encore une nouvelle transformation
de ce motif dans un choral, le premier long passage en mode majeur de la
symphonie. Mais il est encore trop tôt pour la victoire.
Quatre cors à l’unisson ouvrent le Scherzo. la voix d’un cor unique
se détache de cette déclaration et devient le début d’un solo difficile pour
le principal instrumentiste. C’est une musique campagnarde, tour à tour
bouillonnante, nostalgique, et un rien parodique. elle devient même
impressionnante lorsque les cors parlent et se font écho de part et d’autre
de profondes gorges montagneuses. elle est également d’une inventivité
exubérante, avec une énergie nourrie de l’ingéniosité hardie de la polyphonie
le diminutif dans le titre du célèbre quatrième mouvement renvoie à
sa brièveté. S’il est un mouvement unique qui exprime l’essence même du
chagrin mahlérien, c’est bien l’adagietto. après l’éclat du Scherzo, Mahler
écrit l’adagietto dans une tonalité plus sombre. Puis, dans un passage de
conception très délicate, il retrouve le chemin de la lumière. Un cor unique
réintroduit les vents et nous ramène au territoire du Scherzo dominé par
les cors, à la musique qu’on entendait avant que l’adagietto ne suspende le
temps. aussi brusquement qu’il était passé de la tragédie des deux premiers
mouvements à la joyeuse vitalité du Scherzo, Mahler abandonne maintenant
les hésitations et les pleurs de son adagietto pour plonger dans le finale riche
et radieux. C’est pour l’essentiel une superbe comédie, si vigoureuse qu’elle
peut même intégrer la mélodie de l’adagietto – en tempo vif – comme l’un
de ses thèmes. le choral des cuivres du deuxième mouvement revient, cette
fois dans toute son ampleur, en guise de geste de triomphe et de transition
structurelle sur toute la vaste étendue de la symphonie. lorsque tout est fini,
une conclusion exaltée semblerait incongrue, et la symphonie se termine sur
un éclat de rire.
—Michael Steinberg
Traduction : Dennis Collins
le San FRanCISCO SYMPHOnY, après avoir donné ses premiers
concerts en 1911, a bâti sa renommée avec les directeurs musicaux qui se
sont succédé à sa tête : Henry Hadley, alfred Hertz, Basil Cameron, Issay
Dobrowen, Pierre Monteux, enrique Jordá, Josef krips, Seiji Ozawa,
edo de Waart, Herbert Blomstedt (aujourd’hui Conductor laureate), et,
depuis 1995, Michael Tilson Thomas. au cours des saisons récentes, le San
Francisco Symphony a remporté certains des prix discographiques les plus
prestigieux, dont le grand Prix du disque français, le prix Gramophone en
grande‐Bretagne, et un grammy américain pour Carmina burana, le Requiem
allemand de Brahms, des scènes de Roméo et Juliette de Prokofiev, ainsi qu’un
album Stravinsky (enregistrements de L’Oiseau de feu, de Perséphone et du Sacre
du printemps) qui remporta trois grammys, dont ceux d’« album classique de
l’année » et de « meilleur enregistrement orchestral ». le premier disque de
cette intégrale Mahler, avec la Sixième Symphonie, a reçu le grammy du «
meilleur enregistrement orchestral » de 2002, tandis que l’enregistrement
de la Troisième de Mahler s’est vu attribuer le grammy du « meilleur album
classique » de 2003.
Sa discographie chez RCa Red Seal comprend également Das klagende
Lied de Mahler, la Symphonie fantastique de Berlioz, deux anthologies
Copland, et une anthologie gershwin avec des œuvres qu’il donna pour le
gala inaugural de Carnegie Hall en 1998, retransmis à la télévision dans tout
le pays dans le cadre de l’émission Great Performances de PBS. le San Fran‐
cisco Symphony se produit régulièrement aux États‐Unis, en europe, en asie,
et fit en 1990 de saisissants débuts au Festival de Salzbourg et au Festival de
lucerne. Certains des plus importants chefs de notre temps ont été invités à
diriger au pupitre du SFS, dont Bruno Walter, leopold Stokowski, leonard
Bernstein, Sir georg Solti et kurt Masur, et la liste des compositeurs qui
ont conduit l’orchestre comprend Stravinsky, Prokofiev, Ravel, Schoenberg,
Copland et John adams. en 1980, l’orchestre s’est installé dans la louise M.
Davies Symphony Hall nouvellement construite. 1980 a également vu la fon‐
dation du San Francisco Symphony Youth Orchestra. le SFS Chorus s’est fait
entendre dans le monde entier sur disque et dans la bande‐son de trois films
importants, Amadeus, L’Insoutenable Légèreté de l’être et Le Parrain III. grâce à
ses retransmissions radiophoniques, les premières aux États‐Unis à présenter
de la musique symphonique lorsqu’elles débutèrent en 1926, le San Francisco
Symphony est entendu à travers les États‐Unis, confirmant une vitalité artisti‐
que dont l’effet se fait sentir dans toute la vie musicale américaine.
Sinfonie Nr. 5 in Cis-Moll
1901 wurde sich Mahler so richtig dessen bewusst, dass er neue Wege
einschlagen würde. nach einer Reihe von eher exzentrischen Sinfonien
kehrte er zu einer traditionelleren anlage zurück, die man als konzentrisch
aber auch als symmetrisch bezeichnen könnte. Die zweite, dritte und vierte
Sinfonie hatten gesang beinhaltet, die fünfte ist nun wieder rein instrumental.
Die Musik ist auch karger und härter. als er mit der arbeit an der fünften
Sinfonie begann, hatte Mahler eben die komplette ausgabe der Werke
Bachs erworben und die aufregende entdeckung des Inhalts dieser Bände
veranlasste ihn, mehr Polyphonie in seine eigenen Werke zu integrieren. aber
diese „verstärkte Polyphonie“, wie Bruno Walter es nannte, benötigte einen
neuen orchestralen Stil, der sich jedoch nicht gleich von selbst entwickelte.
Mahler dirigierte bei der Premiere der fünften Sinfonie am 18. Oktober 1904
in köln das gürzenich‐Orchester, er machte aber Änderungen bis zumindest
1907 (seine letzte Fassung, die in dieser aufnahme dargeboten wird, wurde
erstmals 1964 von der Internationalen gustav Mahler gesellschaft in Wien
„.... das Publikum – o Himmel – was soll es zu diesem Chaos, das ewig
auf ’s neue eine Welt gebärt, die im nächsten Moment wieder zu grunde
geht, zu diesen Urweltsklängen, zu diesem sausenden, brüllenden, tosenden
Meer, zu diesen tanzenden Sternen, zu diesen verathmenden, schillernden,
blitzenden Wellen für ein gesicht machen?“ schrieb Mahler seiner Frau alma
nach der ersten Probe am 16. Oktober 1904. Für den komponisten ernst
krenek betrat Mahler mit der fünften Sinfonie das Territorium der „neuen
Musik“ des 20. Jahrhunderts.
Mahler legt das Werk in fünf Sätzen an, aber einige große römische
Zahlen in der Partitur verweisen auf eine grundlegendere einteilung
bestehend aus drei Sektionen, die wiederum aus den ersten beiden, dem
dritten und den letzten beiden Sätzen gebildet werden. Im Zentrum steht das
Scherzo, dessen Platz im formalen ablauf erfrischend zweideutig ist, insofern
es zwar von zwei größeren formalen einheiten (Sektion I und Sektion III)
eingerahmt wird, selbst aber länger ist als jeder andere einzelne Satz.
Mahler beginnt mit einer Begräbnismusik, eingeleitet von einem
Trompetensignal. Der größte Teil des Orchesters wird in diese dunkel
klingende einleitung hinein gezogen, deren Zweck die Vorbereitung eines
von den Violinen und Celli vorgetragenen klagegesangs ist. Zumindest
beginnt dieser gesang auf jene Weise, denn es ist charakteristisch für
Mahlers Orchestrierung, dass die Farben und Texturen, gewichtungen und
ausbalancierungen, Unterschiede von licht und Schatten von Moment
zu Moment wechseln. etwas anderes, das wechselt, ist die Melodie. Man
könnte sechs Freunde dieser Musik Mahlers auffordern, dieses klagelied
nachzusingen und man würde sechs verschiedene Versionen zu hören
bekommen, von denen keine gleich, aber alle korrekt wären. es ist ein
wunderbares Spiel immerwährender Variationen.
Die eröffnungsmusik kehrt wieder. abermals führen Rufe zu einem
klagegesang voll Inspiration, entfalten sich aber dieses Mal in größere Breite
und schmerzvoller. Und nochmals wiederholt die Trompete die ersten Takte
der Sinfonie. aber dieses Mal stoßen die Violinen fast gewalttätig und gegen
eine brutal einfache Begleitung eine hinunter stürzende Tonleiter hervor
und die Trompete wird herausgefordert, ihren Ärger herauszuschreien. Der
Versuch, eine hochmütigere Weise einzuführen, ist schnell weggewischt.
Schritt für Schritt kehrt Mahler zum langsamen anfangstempo zurück
und wir haben uns im gefolge anzuschließen. als die von den Violinen
herausgeschleuderte Tonleiter neuerlich kommt, ist es im kontext dieses
langsamen Tempos und der Satz spaltet sich in geisterhafte erinnerungsfetzen
an die Fanfare und die letzte brutale Interpunktion.
Was wir bis jetzt gehört haben ist ein langsamer Satz mit einer schnellen
Unterbrechung. Dann folgt die Umkehrung: ein schneller Satz, der einige
Male zum Tempo des Begräbnismarsches zurückkehrt. Diese beiden Teile
von Sektion I haben thematisches Material gemein. Immer noch erscheinen
Varianten des großen klagegesangs und der schmerzreiche kommentar,
der die Melodie im ersten Satz begleitet hat, rückt immer mehr in den
Vordergrund, so lange, bis er an einem gewissen Punkt sogar für einen
Moment in einen eleganten Marsch mündet. Mahler benützt noch eine
andere gestalt dieses Motivs in einem Choral, der zum ersten Mal in dieser
Sinfonie eine etwas breiter angelegte Musik in einer Durtonart darstellt. Für
einen Sieg aber ist es zu früh.
Hörner im Unisono erklären das Scherzo für eröffnet. Die Stimme eines
einzelnen Horns löst sich los von diesem Ruf, eine Stelle, die den Beginn
einer herausfordernden Hauptstimme für einen ersten Instrumentalisten
markiert. es erklingt Volksmusik, abwechselnd überschwänglich, nostalgisch
und mit parodistischen anklängen. es gibt aber ebenso Raum für ehrfurcht
(Hörner sprechen) wie echoeffekte, die an tiefe Bergschluchten erinnern.
Die Musik ist reichlich erfinderisch, gefüttert von der genialen Meisterschaft
Mahlerscher Polyphonie.
Der verniedlichende Titel des berühmten vierten Satzes bezieht sich auf
seine kürze. Wenn nur irgendein einzelner Satz die essenz von Mahlers
gram zu übermitteln imstande ist, dann ist es das adagietto. nach dem
strahlenden Scherzo setzt Mahler das adagietto in eine dünklere Tonart.
Dann, in einer absolut delikaten Passage voll Imagination, findet er zurück
ins licht. ein einzelnes Horn führt die Holzbläser wieder ein und uns zurück
ins land des vom Horn dominierten Scherzos, einer Musik, die erklang,
bevor das adagietto die Zeit zu einem Stillstand brachte. So abrupt wie
er vom tragischen Charakter der ersten beiden Sätze in die lebensfreude
des Scherzos gewechselt war, lässt Mahler nun das Zögern und die Schreie
des adagiettos hinter sich, um in das strahlende und reichhaltige Finale
einzutauchen. Dieses ist vor allem eine in so vorzüglicher Weise komponierte
und herrliche komödie, dass es sogar die Melodie des adagiettos, nun aber
in schnellem Tempo, als Thema einzuschließen vermag. Der Choral der
Blechbläser des zweiten Satzes kehrt wieder, dieses Mal in seiner ganzen
länge, als eine geste des Triumphs und als eine formale Brücke über die
Spanne der Sinfonie. Und trotzdem wird, wenn alles zu ende gebracht ist,
niemand in der Stimmung für einen exaltierten Schluss sein und die Sinfonie
endet mit einem lautstarken gelächter.
—Michael Steinberg
Übersetzung: Stephan Hametner
Das San FRanCISCO SYMPHOnY Orchester gab seine ersten konzerte
im Jahre 1911 und hat seitdem mit wachsender Publikumsbegeisterung unter
einer Reihe von Dirigenten konzertiert: Henry Hadley, alfred Hertz, Basil
Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, enrique Jordá, Josef krips,
Seiji Ozawa, edo de Waart, Herbert Blomstedt (nun zum ehren‐Dirigenten
ernannt), und, seit 1995, Michael Tilson Thomas. In den vergangenen
Jahren konnte das San Francisco Symphony Orchester einige der weltweit
bedeutendsten Schallplatten‐Preise gewinnen wie den französichen grand
Prix du Disque, den britischen Gramophone award und den US grammy für
eine aufnahme von Orffs Carmina burana, Ein deutsches Requiem von Brahms
und auszügen von Prokofievs Romeo und Julia. eine aufnahme mit Werken
Igor Strawinskys (Feuervogel, Perséphone und Le Sacre du printemps) wurde mit
drei grammys (u.a. in den kategorien „Bestes klassisches album“ und „Beste
Orchesteraufnahme“) bedacht. Die erste aufnahme dieses Mahler‐Zyklus,
die 6. Sinfonie, erhielt 2002 den grammy für die beste Orchesterproduktion
des Jahres, die aufnahme der 3. Sinfonie wurde 2003 mit dem grammy der
kategorie „Bestes klassisches album“ ausgezeichnet. Die Diskographie,
erschienen bei RCa Red Seal, beinhaltet zudem Mahlers Das klagende Lied,
Symphonie fantastique von Berlioz, Musik von Charles Ives (eCHO klassik
Preis 2003, „Sinfonische einspielung des Jahres“), zwei Copland‐alben und
eine gershwin‐aufnahme, die das Programm der eröffnungsgala der Saison
1998 in der Carnegie Hall in new York beinhaltet. Dieses konzert wurde
auch im nationalen Fernsehen in der Reihe Great Performances gesendet. Das
San Francisco Symphony Orchester ist regelmäßig in den USa, europa und
asien zu hören und debütierte 1990 mit großem erfolg bei den Salzburger
Festspielen und beim lucerne Festival. einige der bedeutendsten Dirigenten
der Welt konnten als gastdirigenten des San Francisco Symphony Orchesters
engagiert werden, darunter Bruno Walter, leopold Stokowski, leonard
Bernstein, Sir georg Solti und kurt Masur. Die liste der komponisten, die
das Orchester dirigierten, reicht von Strawinsky und Prokofiev über Ravel
und Schönberg zu Copland und John adams. 1980 übersiedelte das Orchester
in die neuerbaute louise M. Davies Symphony Hall. Im selben Jahr wurde
auch das San Francisco Jugendsymphonie‐Orchester gegründet. Der San
Francisco Symphony Chorus ist auf dem Soundtrack der drei weltbekannten
Filme Amadeus, Die unerträgliche Leichtigkeit des Seins und Der Pate III zu
hören. Das San Francisco Symphony Orchester hat nicht nur im Jahre 1926
als erstes amerikanisches Orchester überhaupt im Radio symphonische Musik
aufgeführt, sondern wird auch noch heute überall in den USa gern gehört
und leistet durch seine künstlerische Vielfalt einen wesentlichen Beitrag zum
gegenwärtigen amerikanischen Musikleben.
First Violins
alexander Barantschik
Naoum Blinder Chair
nadya Tichman
Associate Concertmaster
San Francisco Symphony
Foundation Chair
Mark Volkert
Assistant Concertmaster
75th Anniversary Chair
Jeremy Constant
Assistant Concertmaster
Mariko Smiley
Melissa kleinbart
Katharine Hanrahan Chair
Yun Chu
Sharon grebanier
naomi kazama
Yukiko kurakata
Catherine A. Mueller Chair
Suzanne leon
leor Maltinski
Isaac Stern Chair
Diane nicholeris
Sarn Oliver
Florin Parvulescu
Victor Romasevich
Catherine Van Hoesen
Dan Banner*
Raushan akhmedyarova†
second Violins
Dan nobuhiko Smiley
Dinner & Swig Families Chair
Darlene gray
Associate Principal
Paul Brancato
Acting Associate Principal
Audrey Avis Aasen-Hull Chair
kum Mo kim
Acting Associate Principal
John Chisholm
Cathryn Down
Michael gerling
amy Hiraga
Frances Jeffrey
Chunming Mo kobialka
Daniel kobialka
kelly leon‐Pearce
Zoya leybin
Joseph Meyer
Robert Zelnick
Chen Zhao
The San Francisco Symphony
Michael Tilson Thomas Music Director & Conductor
edwin Outwater Resident Conductor
Benjamin Shwartz assistant Conductor
Vance george Chorus Director
Sarah knutson†
Robin Mayforth†
geraldine Walther
Jewett Chair
Yun Jie liu
Acting Principal
David gaudry
Acting Co-Associate Principal
adam Smyla
Acting Co-Associate Principal
Don ehrlich
Assistant Principal
John Schoening
nancy ellis
gina Feinauer
leonid gesin
Christina king
Seth Mausner
Wayne Roden
nanci Severance
Roxann Jacobson*
Tom elliott†
Michael grebanier
Philip S. Boone Chair
Peter Wyrick
Associate Principal
Michelle Djokic*
Acting Assistant Principal
Margaret Tait
Barrie Ramsay Zesiger Chair
Barbara andres
Barbara Bogatin
Jill Rachuy Brindel
David goldblatt
lawrence granger
Carolyn McIntosh
anne Pinsker
Peter Shelton
Scott Pingel
larry epstein
Associate Principal
Stephen Tramontozzi
Assistant Principal
Richard & Rhoda Goldman Chair
William Ritchen
Charles Chandler
lee ann Crocker
Chris gilbert
Brian Marcus
S. Mark Wright
Robin Mckee
Acting Principal
Caroline H. Hume Chair
linda lukas
Acting Associate Principal
Catherine & Russell Clark Chair
Tim Day*
Alfred S. & Dede Wilsey Chair
Catherine Payne
William Bennett
Edo de Waart Chair
Jonathan Fischer
Associate Principal
Pamela Smith
Dr. William D. Clinite Chair
Julie ann giacobassi
English Horn
Joseph & Pauline Scafidi Chair
David Breeden
In Memorium
William R. & Gretchen B.
Kimball Chair
luis Baez
Acting Principal
E-flat Clarinet
David neuman
Acting Associate Principal
Jerome Simas*
Ben Freimuth
Bass Clarinet
Stephen Paulson
Steven Dibner
Associate Principal
Rob Weir
Jacqueline & Peter Hoefer Chair
gregory Barber*
Steven Braunstein
Robert Ward
Acting Principal
Jeannik Méquet Littlefield Chair
Bruce Roberts
Acting Associate Principal
Jonathan Ring
kimberly Wright
Chris Cooper*
Doug Hull*
alicia Telford†
Bill M. Williams, Jr.*
Acting Principal
William G. Irwin Charity
Foundation Chair
glenn Fischthal
Associate Principal
Peter Pastreich Chair
Mark Inouye
Jeff Biancalana*
Chris Bogios
kale Cumings†
Mark H. lawrence
Robert L. Samter Chair
Paul Welcomer
John engelkes
Bass Trombone
Tom Hornig†
Jeffrey anderson
James Irvine Chair
Douglas Rioth
David Herbert
Jack Van geem
Carol Franc Buck Foundation Chair
Raymond Froehlich
Tom Hemphill
James lee Wyatt III
Robin Sutherland
Jean and Bill Lane Chair
*acting member of
the San Francisco Symphony
†extra player
alexander Barantschik plays
the 1742 guarnerius del gesù
violin, on loan from the
Fine arts Museums of
San Francisco.
This recording of Mahler’s Symphony No. 5
was made possible by the encouragement
and generous leadership funding of Mr. Gordon Getty.
Additional support was provided by Nancy & Joachim Bechtle,
The Buffett Fund of the Community Foundation for Monterey County,
and John Edward Jr. and Jo S. Hurley.
Special thanks to David Kawakami and Colin Cigarran
of the Sony Super Audio CD project
Producer: Andreas Neubronner
Balance Engineer: Peter Laenger
Tape Operator: Christian Starke
Editing, Remixing, and Mastering: Andreas Neubronner
Technical Assistance: Jack Vad
Art Direction and Design: Alan Trugman
Cover Photo: Susan Schelling
Inside Cover Photo: Terrence McCarthy
Mahler Photo: The Mahler-Rosé Collection,
The Gustav Mahler-Alfred Rosé Room, The Music Library,
The University of Western Ontario
Editorial: Larry Rothe
Mahler Symphony No. 5, C.F. Peters
Copyright 2006 San Francisco Symphony
All Editorial Materials Copyright © 2006 San Francisco Symphony.
Louise M. Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102 (415) 552-8000
Printed and Manufactured in the USA.